Festival Cinezic : Jazz on summer's day

Le 8 novembre 2026 Vernoux-en-Vivarais Espace culturel Louis Nodon

L’Ardèche dispose d’un parc géologique de référence qui est situé dans le Parc naturel régional des Monts d'Ardèche, labellisé Géoparc mondial UNESCO. Mais c’est sur grand écran que l’on trouve les pépites ! C’est à nouveau par ce qualificatif que Jean-Pierre Trescol, le président de Cinezic, présente le documentaire musical « Jazz on a summer’s day » qui n’a pas encore été projeté en Ardèche et qui est consacré au festival de Jazz à Newport. Il est accompagné par un des membres de l’équipe du festival « Jazz en Vivarais » qui à lieu ici même à Vernoux-en-Vivarais au mois d’août. Il s’agit de la dernière projection de cette édition de Cinezic qui s’achevait auparavant avec le film du dimanche matin à la salle du lac. A présent, le festival se poursuit avec une projection à l’espace culturel Louis Nodon en début d’après-midi le dimanche.

Il s’agit d’un film de Bert Stern qui était initialement un photographe. Cette information nous permet d’apprécier particulièrement la qualité des images. Et notamment, des séquences montrant des épreuves éliminatoires de l’America’s Cup au large du port de Newport. C’est le premier film qui présente un festival de musique. Il y aura ensuite Monterey, Woodstock, Wight et Porquerolles que nous avons vu dans cette salle en compagnie de son réalisateur Franck Cassenti. Il est à noter que ce film par son importance culturel est entré à la Bibliothèque du Congrès de Washington (Library of Congress), qui est la bibliothèque nationale américaine qui assure la fonction de bibliothèque de recherche du Congrès des États-Unis.

Nos deux présentateurs insistent sur le contexte de ce film. La ville de Newport où se déroule le festival est un port de plaisance. Il est situé dans l'État de Rhode Island sur la côte Est des États-Unis au nord-est de New-York et au sud de Boston. On peut dire que Newport est en quelque sorte une cité balnéaire. On remarque tout de suite un paradoxe entre des musiciens de jazz en majorité noirs, ce qui est logique pour cette musique afro-américaine. Il y a quand même plusieurs musiciens blancs et pas de moindre Gerry Mulligan, Anita O’ Day… Les jazzmen de l’époque voulaient tous passer sur la scène de ce festival qui était important. Inversement le public était plutôt jeune, étudiant, d’origine sociale de classe moyenne ou supérieure, issu d’une élite intellectuelle et majoritairement blanc. Il y a quand même quelques spectateurs d’origine afro-américaine. En ancien professeur d’histoire-géographie, Jean-Pierre Trescol nous fait remarquer que les Etats-Unis de cette époque fonctionnaient mieux que maintenant ! Le festival de Newport était associatif à cette époque, beaucoup de festivals sont aujourd’hui des entreprises commerciales.

Le film tourné en 1958 est un documentaire qui témoigne d’une époque. On est immergé dans les années 50’ au niveau des vêtements portés par les musiciens et les spectateurs et de la mode de cette période. Les véhicules, les bateaux et les habitations illustrent ce qu’était cette ville à l’époque. On est étonné de voir que le comportement des festivaliers n’est pas différent de celui du public de nos festivals actuels. Ils mangent et boivent durant les concerts. Ils fument certainement plus que maintenant, les campagnes anti-tabac ont été nombreuses depuis cette époque. On ressent une impression de liberté avec un public qui semble vraiment s’amuser. Il est assurément fan de ces musiciens de jazz afro-américain. Les spectateurs s’expriment librement, ils chantent, crient, se dandinent sur les notes et surtout des couples dansent ! Si l’on avait oublié que le jazz est à l’origine une musique de danse ces images nous le rappellent.

Le témoignage musical quant à lui est inestimable pour les jazz fans. Parmi les séquences remarquables on commence par des trios formidables. Le Jimmy Giuffre trio avec Bob Brookmeyer et Jim Hall nous présente une musique raffinée mais qui n’a pas oubliée de swinguer. Le Thelonious Monk Trio avec Henry Grimes et Roy Haynes nous propose une musique déjà très avant-gardiste qui sera mieux comprise plus tard. Pour les groupes instrumentistes on poursuit avec le Gerry Mulligan Quartet avec Art Farmer. Le saxophoniste baryton très jeune et sans la barbe à l’époque, exécute un magnifique solo qu’il partage avec son partenaire trompettiste. Le Chico Hamilton Quintet avec Eric Dolphy démontre sa maîtrise dans l’art des percussions à la batterie. Le George Shearing quintet nous rappelle que le BeBop et le CuBop des années 40’ n’est pas encore mort et fait swinguer le public de Newport.

Les voix ne sont pas en reste en 1958 à Newport, et notamment les voix féminines. On commence par Anita O’ Day, habillée comme pour un mariage nous diront nos présentateurs avec talons hauts, robes à volants et chapeau. Son set programmé dans l’après-midi monte graduellement en intensité. Elle passe du blues au swing pour terminer par un scat dynamique. Le public est enthousiasmé par sa maîtrise vocale sur une reprise du standard Sweet Georgia Brown de cette chanteuse qui n’a pas rencontré un succès à la hauteur de son talent parce qu’elle n’était pas noire. Nous avons le plaisir d’écouter Dinah Washington avec sa tessiture si particulière. Sa prestance et sa présence sont impressionnantes, on comprend pourquoi son surnom est « The Queen of the Blues ». Elle nous le démontre sur une interprétation du standard All of me. On découvre Big Maybelle, moins connue que ces collègues chanteuses, mais qui enflamme la scène du festival avec son Blues et son Rythme and Blues. Tout aussi endiablée sera la prestation de Mahalia Jackson qui nous rappelle que le Gospel est aussi une des origines du jazz comme le blues. Elle est ravie d’être ici et le montre avec sa voix et sa présence. On voit le public enthousiaste danser, suivre le rythme en tapant dans ses mains et par des claquements de doigts.

On n’oublie pas les voix masculines avec Louis Armstrong, qui est déjà une véritable star internationale. Il est le seul artiste interviewé sur scène avant son concert et se prête au jeu avec beaucoup d’humour, son rire légendaire et en véritable amuseur. Au chant et à la trompette son interprétation est magistrale, il chante le blues et les gospels. L’apogée de son set à lieu avec la reprise de Oh when the saints. Il interprète également un duo formidable au chant et à l’instrument avec son tromboniste. On remarque également la prestation de Chuck Berry, plus à la guitare qu’au chant, qui nous entraine sur d’autres musiques cousines du jazz. Ses interprétations de Rock and Roll, de Rythm and Blues et de Boogie Woogie sont appréciés des danseurs présents dans le public. Son clarinettiste contribue au dynamisme des rythmes du guitariste.

Cette édition de Jazz à Newport de 1958 comprenait également dans sa programmation Duke Ellington, Miles Davis, Horace Silver, ou Ray Charles. Ce qui nous montre le nombre de stars en activité à cette époque. Ils sont absents du film Jazz on a summer’s day car ils ne sont pas filmés ou pas retenus dans le montage final. On mesure l’importance encore plus grande qu’aurait eu le témoignage de ce documentaire musical s’ils avaient été présent !

Le film se termine par des images d’une voiture décapotable d’époque un groupe de musiciens amateurs à bord avec leurs instruments qui quitte Newport par une route du littoral. Ce groupe de jazzmen amateur est le fil rouge du film, on les voit jouer en roulant dans leur voiture sur les rues de la ville ou dans un parc au milieu des enfants. La fête et les jams qui accompagnent nos festivals actuels existaient déjà avec bonheur à l’époque.

JazzFrançois Viaud 

Jazz on a summer’s day
Film de Bert Stern – 1959 – 85 mn – USA

 

Festival Cinezic : Hermeto Pascoal L’allumé tropical

Le 8 novembre 2026 Vernoux-en-Vivarais Salle du lac

Attention pépite ! Dans les propos de présentation de Jean-Pierre Trescol le président de Cinezic, c’est une haute considération. Pour commencer cette dernière projection de festival, il s’agit du film « Hermeto Pascoal L’allumé tropical », consacré au musicien brésilien, décédé l’an dernier. Ce documentaire d’Yves Billon montre le fonctionnement créatif de cet artiste inclassable.

Le film commence par des images d’écoles de samba et de plages de Rio de Janeiro qui sont très classiques et peut-être un peu cliché sur le pays d’Amérique latine. On passe ensuite rapidement à la singularité d’Hermeto Pascoal. Ce musicien albinos originaire du Nordeste est complètement atypique. On le voit chez lui en famille dans le quartier de Bangu. Ses amis musiciens viennent aussi travailler chez lui. Son style est inclassable puisqu’il mélange plusieurs musiques comme les traditionnels Forro et Candomblé, mais aussi le jazz.

Pour Hermeto Pascoal qui déclare avoir apprit la musique dans la rue et la théorie à partir de 35 ans, tout est prétexte pour jouer de la musique. Il utilise des bruitages, avec sa flûte il dialogue avec des animaux dans un zoo. N’importe quel objet lui permet de jouer, une embouchure de trompette, une bouilloire ou une poêle, toutes les deux remplies d’eau. Il déclare : « Ce que recommande l’intuition, je le fais ». On le voit composer au piano et noter ses notes sur des partitions en les sifflotant.

Deux scènes sont époustouflantes. La première à lieu dans une grotte où les musiciens du groupe du maître jouent en tapant avec des mailloches sur les stalactites. L’impression de jeu sur des vibraphones et des xylophones est réellement impressionnante. Hermeto Pascoal souffle dans une corne au milieu de la grotte on a l’impression d’une véritable symphonie de percussions avec des arrangements et des harmonies ! Il précise : « Je n’aime pas les sons tout fait, j’aime les fabriquer ». La seconde scène mémorable à lieu dans une rivière, où tout le groupe est dans l’eau et souffle dans des bouteilles remplies d’eau. Le leader joue de la flûte traversière au milieu des sons crées avec les bouteilles. Une mélodie formidable et des harmonies délicates se dégagent de cette scène aquatique. De nombreux paillons colorés tournent autour des musiciens au-dessus de l’eau et ajoute de la poésie à la scène. Le maestro ajoute : « J’aime tout cela et pour moi tout est son ». il travaille les sons aquatiques dans sa piscine également.

Les scènes toutes aussi originales se succèdent. Il improvise en solo avec des couverts : deux assiettes, un couteau et une petite cuillère. Il dirige un concert de casseroles dans une cuisine avec tout son groupe, et la recette est bonne ! Cela sonne parfaitement bien. Il précise son approche musicale : « Le rythme s’est marié avec l’harmonie », « L’harmonie c’est la mère de la mélodie » et « L’harmonie est la base de tout ». Une sorte de sainte trinité : mélodie, rythme et harmonie pour celui qui avoue : « J’aime que l’on m’appelle le sorcier du son ». C’est avec la dernière scène que ce mystique de la musique assiste et participe à une cérémonie de Candomblé, le rite de cette religion afro-brésilienne.

Le film se termine comme il a commencé avec un défilé d’une école de samba. Le musicien multi-instrumentiste joue de tous ses instruments. L’accordéon son première instrument, mais aussi le piano et le saxophone soprano. Au-delà de démontrer que Hermeto Pascoal est un érudit de la musique, on a l’impression que tout est musique pour lui et que la musique est une fête.

JazzFrançois Viaud  

Hermeto Pascoal L’allumé tropical
Film d’Yves Billon – 1996 – 52 mn – France

Pour aller plus loin avec la lecture :
Hermeto Champion, Les pensées de Pascoal, roman biographique, auteur Pierre Sicsic, Préface Claudio Cacau de Queiroz, Editeur : Harmattan, collection Rue Des Ecoles/Littérature, 336 pages, parution 31/10/2024, ISBN : 9782336486222 Prix : 24,00€.
La chronique de ce livre sur jazzrhonealpes.com : ici

Festival Cinezic : Quelques notes de liberté - Michel Portal

Le 7 novembre 2026 Vernoux-en-Vivarais Espace culturel Louis Nodon

Le festival Cinezic a commencé sa 11ème édition hier, vendredi 6 novembre 2026, par un ciné-concert. C’est toujours avec la même passion du cinéma et de la musique que l’équipe associative accueil son public. La sélections des films choisis, est rigoureuse et la programmation est qualitative avec de nombreux films rares et exceptionnels qui transmettent tous de l’émotion.

Le festival se poursuit aujourd’hui à 10H00 à l’Espace Louis Nodon de Vernoux-en-Vivarais par la projection matinale du film Quelques notes sur la liberté. La séance à lieu en présence de Benjamin Delattre le réalisateur. Ce qui ajoute à l’évènement un débat d’après projection, convivial et de qualité qui nous permet de décrypter l’œuvre et l’artiste. Il s’agit d’un film intimiste consacré à Michel Portal qui nous a quitté cette année. Le compositeur et multi-instrumentiste qui a consacré sa vie à la musique, qu’elle soit classique ou jazz.

Cette liberté dont il est question c’est l’improvisation, donc le film montre principalement du jazz et des musiques improvisées. Le réalisateur nous explique que c’est un choix pour ne pas se disperser dans toutes les personnalités du musicien et qu’il existe déjà un film sur Michel Portal jouant du classique. Les prises de vues démarrent sur l’artiste qui monte pièces après pièces sa clarinette basse. Il se lance aussitôt dans une improvisation. Il déclare ensuite : « C’est des croisements de la musique que je cherche. »

Il n’y a pas de techniques cinématographiques sophistiquées, pas de travelling. Le musicien est filmé en gros plans pour mieux nous montrer sa gestuelle, le jeu de ses mains sur les instruments et l’expression de son visage quand joue. Cela donne un caractère intimiste au film, nous avons l’impression d’être à côté de lui lorsqu’il joue. Tout au long de cette heure de musique, il joue de la clarinette basse, du saxophone soprano et du bandonéon, c’est-à-dire les instruments qui l’ont accompagné durant tout son parcours musical.

A de nombreuses reprise, Michel Portal s’accompagne en chantant des onomatopées. Ce n’est pas du scat mais il chante les notes comme s’il suit le phrasé de son instrument. Il précise : « La musique c’est parler avec la voix et un instrument. ». Les images montrent que le musicien vit la musique, il vit complètement son art. Il considère sa musique comme un échange et un dialogue, et annonce : « Je veux faire une improvisation comme si quelqu’un parle à un autre. » Quand il nous parle, il nous raconte également une histoire. Ses déclarations sont précieuses, nous comprenons que son phrasé musical est l’extension d’une narration.

Le film mélange les sons des instruments de Michel Portal. Lors des improvisations du musicien, les ingénieurs du son ont capté différentes sonorités et les ont mélangés. Ainsi, ils ont échantillonné en créant des sample de la clarinette basse. Puis, ils ont diffusé au musicien sous forme de boucles (Loop) ces échantillons pour improviser par-dessus, en re-recording, avec le saxophone soprano. Ces différentes couches de sons superposées donne de la profondeur a son improvisation. Cette improvisation au soprano est magnifique sur les sons sourds et en boucle de la clarinette basse. On a parfois l’impression d’entendre une musique de film. Le compositeur était l’auteur de nombreuses musiques de longs métrages. Il définit l’improvisation : « La musique c’est quoi ? C’est d’entendre des sons et d’être tout de suite avec eux. »

Le film a été tourné sur une période de deux ans dans un studio parisien. Il se termine dans la salle des œuvres de Pierre Soulage au musée Fabre de Montpellier. Au soprano, le saxophoniste débute son interprétation lorsque les cloches d’une église sonnent. Il s’adapte et improvise avec elles !

En introduction au débat avec le réalisateur, Jean-Pierre Trescol, le président de l’association affirme que pour lui, ce film est la définition d’un film musical. Benjamin Delattre le réalisateur est heureux de se prêter à cet échange avec le public dont il trouve les questions de grande qualité. L’œuvre cinématographique permet de comprendre comment Michel Portal improvise. Lorsqu’on l’a vue plusieurs fois en concert on a constaté son immense capacité à improviser et la variété de son inspiration. On découvre que l’improvisation ne s’improvise pas mais elle se travaille. Ce film décortique le processus créatif de Michel Portal, on comprend comment il travaille. C’est en quelque sorte une extension de son fonctionnement sur scène. Il résume aussi son fonctionnement en montrant son abdomen avec ses mains : « Si ça vient de là, j’y vais ». Par la proximité des prises de vues on est au plus proche de son système créatif et malgré sa disparition récente on a l’impression qu’il est encore parmi nous. On se rend compte que la musique a accompagné sa vie et qu’elle est sa vie. Il révèle : « La musique c’est un continuum, si je ne fais pas de musique je deviens complètement fou. »

JazzFrançois Viaud  

Quelques notes sur la liberté
Film de Benjamin Delattre – 2026 – 55 mn – France

The Very Big Experimental Toubifri Orchestra Comédie Musicale Le Lac

Le mardi 13 octobre théâtre de la renaissance d’Oullins Pierre-Bénite 

Avec Le Lac, la comédie musicale du The Very Big Experimental Toubifri Orchestra, alias le Toubifri, nous voilà amené à se jeter à l’eau. Cela ne leur fait pas peur, eux qui ont déjà à plusieurs reprises mouillé le maillot avec leurs productions et leurs créations ! Mais cette fois ils mettent le paquet pour passer à la vitesse supérieure.

Une comédie musicale est généralement composée de comédie, de théâtre et parfois de danse, mais aussi de musique et de chant. Notre Big Band régional nous propose sa musique avec les musiciennes et les musiciens habituels du collectif. Ils sont augmentés de sept chanteuses et chanteurs. Les vocalistes jouent la comédie sur scène et de manière théâtrale. Parmi les sept voix il y a un ténor, un baryton, une basse et des mezzos. Cette variété de tessitures donne un caractère d’Opéra à cette partie vocale.

Les acteurs-chanteurs incarnent un pêcheur, deux cygnes, trois randonneurs-nageurs venus pique-niquer et une représentante de l’autorité, incarnée par la police. Ils vont tous évoluer autour du personnage principal, le lac. L’autorité, le maire de la commune qui est simplement évoqué, a interdit la baignade. Cet événement, va être le point de départ de la narration. Le contexte du lac semble être un prétexte. Tout autre environnement aurait pu servir de décor pour développer le thème de l’interdit, de la Loi, de ce qui est légal et de ce qui est moral.

Les voix vont prendre des solos tour à tour à la façon du chant lyrique. Lorsqu’une chanteuse ou un chanteur est soliste, les autres les accompagnent comme choristes. Les différents types de voix associées aux différents personnages donnent de l’amplitude et de la profondeur à la narration. La section des cuivres avec les trompettes, le trombone et les sousaphone ainsi que les bois avec les différents saxophones et clarinettes, se mêle aux voix pour dialoguer avec elles. Le métallophone, la flûte et les claviers apportent des effets musicaux. La section rythmique, composée du métallophone, de la contrebasse, du clavier, de la batterie et des percussions, ponctue le récit des voix. L’ensemble musical nous fait voyager d’une ambiance de musique de film en passant par des influences de free jazz, par des vocalises sur un rythme de rap, le tout avec la puissance et l’harmonie de la musique symphonique.

Le spectacle est complet. Les costumes sont bariolés, colorés et humoristiques avec les formes des corps dessinées comme des caricatures. Les visages des chanteurs sont très expressifs. L’interdiction de baignade va provoquer toutes sortes de réactions de la part des protagonistes. Depuis la stupéfaction, en passant par le dépit, par la rébellion, par une ode au lac, par la colère, par la tentative de conciliation et enfin par la révolte. L’autorité est parodiée, avec les musiciens et les chanteurs qui portent le même masque comme pour la diluer et lui faire perdre son identité.

Alors que l’écoute de l’album Le Lac n’est pas évidente et peut paraître ardue. Sans doute parce qu’il y a les voix lyriques et qu’il n’est pas facile de suivre le récit. Par contre, le spectacle complet avec la musique, le chant et surtout le jeu des acteurs donne toute sa dimension à la narration. On voit que sous cette histoire autour d’un lac qui peut sembler simple, se cache la question de l’interdit et de la légitimité. Le Toubifri nous surprend à nouveau et monte d’un cran vers le spectacle intégral avec une véritable mise en scène, une mise en lumière et une prise de son de très grande qualité. L’enchantement est complet, nous sommes ravis et conquis par ce nouveau spectacle. Le Toubifri nous bouscule encore plus loin hors de notre zone de confort et dans nos certitudes. N’est-ce pas la vocation des artistes ?! Ce soir au théâtre de la renaissance d’Oullins Pierre-Bénite, cette première du Lac est une réussite.

JazzFrançois Viaud   

Mise en scène Céline Champinot
Livret, composition Maud Chapoutier, Aloïs Benoit, Lucas Hercberg
Regard extérieur Maud Chapoutier
Direction musicale Aloïs Benoit, Lucas Hercberg
Scénographie Emilie Roy
Costumes Antonin Fassio
Lumières Elsa Sanchez
Régie générale Romain Bouez
Régie lumière Ophélie Sire, Johanna Moaligou
Régie son Franck “Choko” Rivoire, Duncan Dumoulin
Régie plateau Martin Legros
Administration Sophie Blondeau
Production, diffusion Benjamin Pelfrène

Avec Lou Rivaille, Fanny Lhéritier, Majdouline Zerari, Anne Davienne, Remy Poulakis, Pierre Barret-Mémy, Etienne Chevallier voix, Mathilde Bouillot flûtes, Laurent Vichard clarinettes, Damien Sabatier, Benjamin Nid, Thibaut Fontana, Yannick Narejos, Stéphanie Aurières saxophones, Félicien Bouchot, Emmanuelle Legros, Yannick Pirri trompette, bugle, Aloïs Benoît trombone, euphonium, Grégory Julliard trombone, tuba, François Mignot guitares, Mélissa Achiardi vibraphone, Matthieu Naulleau claviers, Lucas Hercberg basse, contrebasse, Corentin Quemener batterie, percussions, Lionel Aubernon percussions, synthétiseurs.

Production : La Grande expérimentale. Coproduction : Théâtre de La Renaissance – Oullins-Pierre-Bénite, Opéra national de Lyon, Théâtre Durance Scène nationale, Les Grandes Voisines. Soutien : Drac Auvergne-Rhône-Alpes, Région Auvergne-Rhône Alpes, ville de Lyon, Spedidam, CNM, Adami, Sacem.

The Very Big Experimental Toubifri Orchestra est artiste Génération Spedidam Jazz 26-28.

 

Claire Michaël Quintet au festival Jazz sur les places à Lyon

 Le samedi 19 septembre place Benoît Crepu Lyon 5e

L’espace en plein air de jazz sur les places, à Lyon 5ème place Benoît Crepu, est bondé pour le concert de clôture ce samedi à 20h30 avec le quintet de Claire Michaël ! Cet engouement pour la 16ème édition de ce festival entièrement gratuit est pleinement mérité. Nous le devons à l’engagement et à l’opiniâtreté de Philippe Dechevre, alias Phil-Saint-Georges. Il porte ce festival avec beaucoup de conviction et se bat pour boucler son budget et pour qu’il reste gratuit.

Le quintet de Claire Michaël est présenté comme jazz moderne, mais il a aussi un esprit Bop et s’aventure sur des inspirations coltraniennes avec de belles reprises en guise d’hommage. La saxophoniste et flutiste propose un groupe avec comme deuxième soufflant Hermon Mehari à la trompette pour le seconder dans les duos mélodiques et les solos. Pour la section rythmique, Jean Michel Vallet au piano intervient beaucoup dans les harmonies du groupe. Patrick Chartol à la basse électrique apporte un son rond, rock et funk avec jeu de slap sur les cordes. Enfin, Zaza Désiderio à la batterie que nous connaissons bien à Lyon donne une coloration latine avec son jeu léger sur les cymbales.

Le duo piano et saxophone ténor ouvrent le concert avec Pursuance de l’album A love supreme de John Coltrane. Ce qui donne le ton de la suite du set avec les solos fougueux de la saxophoniste. Sur In Walked Wayne de Wayne Shorter la rythmique du quintet est pleinement lancée. Le pianiste avec un jeu percussif joue sur les harmoniques. Le bassiste le suit avec un son électrique. Le batteur ajoute une frappe rapide et énergique sur les tambours et ponctue cette rythmique sur ses cymbales. Le trompettiste vient compléter le jeu de la saxophoniste en s’inscrivant dans le thème. Les deux instrumentistes à vents vont associer leurs différents sons tout au long du set. En effet, dans la gamme des bois, la leader joue du saxophone ténor mais aussi de l’alto et du soprano. Ce qui donne une large variété de tessiture. Mais Claire Michaël joue aussi de la flute traversière. Ce qui donne une possibilité supplémentaire d’association avec la trompette dans un registre plus doux cette fois. Cette large palette d’instruments multiplie les possibilités d’associations sonores pour encore plus de richesse émotionnelle.

Une des plus touchante association est celle de la trompette avec le saxophone soprano. Les dialogues musicaux sont de hautes volées avec des échanges de solos puis des retours à l’unisson des deux musiciens sur le thème. Cette liberté créative est permise par le soutien des rythmiciens. Le pianiste souligne le thème et en sort parfois pour rentrer également dans les échanges avec la saxophoniste. Le bassiste électrique contribue à l’assise rythmique en arpège souvent et parfois en slap délicat sur ses cordes. Le batteur appui le rythme qui donne la scansion au trio de rythmiciens. Il exécute un solo précis et délicat sur la caisse claire et les tambours, ponctué par sa cymbale charleston. Le concert est jalonné de plusieurs bandes sonores originales. On entendra entre autres, l’extrait du fameux discours I have a dream de Martin Luther King.

Pour boucler cet agréable concert la saxophoniste nous ramène vers l’amour suprême de John Coltrane avec Acknowledgement en rappel. La reprise est à la fois fidèle et personnelle. La basse suit le piano avec un rythme méthodique, tandis que la batterie le souligne avec un jeu aérien sur les cymbales et des rebonds de baguettes sur les peaux des tambours. C’est le gros son du ténor qui donne la mélodie lancinante de ce thème modal. Les dialogues on lieu entre la saxophoniste et le trompettiste qui transcrit le thème pour son instrument, mais aussi entre le pianiste qui sort du thème rythmique pour improviser avec la saxophoniste. Le bassiste sort à son tour de son schéma rythmique pour un échange musical avec le trompettiste. Le batteur accentue le rythme sur la caisse claire et les cymbales. Pour terminer le ténor et la trompette se retrouvent à l’unisson sur le thème. La saxophoniste qui a chanté sur plusieurs morceaux de la soirée termine avec le chant doux et lancinant « A love supreme » comme sur l’enregistrement original. Ce final donne un caractère spirituel et de l’intensité à ce concert enthousiasmant.

JazzFrançois Viaud  

Musiciens :
Claire Michaël : sax, flûte,
Jean Michel Vallet : piano,
Hermon Mehari : trompette.
Patrick Chartol : basse,
Zaza Désiderio : batterie.

 

Crest Jazz Festival : Le film "Miles" de Patrick Savey

A l'espace Soubeyran du Crest Jazz festival

Cette année le festival innove avec un club et une exposition qui sont situés dans la salle des moulinages. A l’occasion du concert d’Erik Truffaz et d’Antonio Lizana, New Sketches of Spain, en hommage à Miles Davis, le film "Miles" de Patrick Savey est projeté. Ce documentaire retrace la vie du trompettiste, son parcours musical qui à lui seul fît évoluer plusieurs fois la musique du XXème siècle. Dès ses débuts, et lors de ses séjours parisiens on retrouve son esprit créatif. Pour cette période française avec la création de la bande originale du film Ascenseur pour l’échafaud on a plaisir d’entendre le témoignage du regretté René Urtreger qui vient de nous quitter. Ensuite c’est un tourbillon de témoignage de stars que nous entendons encenser Miles Davis. Beaucoup décrivent la manière de travailler avec lui et son processus créatif. Tous s’accordent sur l’expérience irremplaçable d’avoir collaboré avec lui. On apprécie les propos de ses partenaires du second quintet et notamment Wayne Shorte et Herbie Hancock. Pour la période électrique, on mesure l’importance de l’apport de Bitches Brew et par extension de la création du Jazz Rock. De tous les groupes qui ont émergés après la création de l’album, au moins un des musiciens a participé aux sessions du fameux album : Weather Report, Mahavishnu Orchestra, Return to Forever, The Headhunters…La période du retour après We Want Miles en 1981 est commentée par les musiciens de l’époque et surtout Marcus Miller qui a été très proche du trompettiste.

Pour les fans absolus, le dernier concert de Miles Davis à Jaz à Vienne est projeté le même soir à partir de l’entracte des deux concerts. Et des fans inconditionnels il y en a de nombreux ce soir à Crest qui étaient présent au Théâtre Antique ce 4 juillet 1991 ! Ce sont ceux-ci que l’on a retrouvé devant le film du concert de Vienne après la fin du concert d’Erik Truffaz et d’Antonio Lizana, New Sketches of Spain ! Et c’est les yeux brillant de plaisir qu’ils échangent des souvenirs.

On peut regretter que la communication du programme des conférences et des activités soit discrète et peu diffusée. Il est dommage que l’accès à cette salle ne soit pas gratuit comme les conférences des années précédentes à la médiathèque. Pour accéder à la salle des Moulinage, il faut passer par l’entrée payante de Soubeyran. Il serait appréciable que l’accès à la culture du jazz ne soit pas payant. Ce nouvel espace du festival est très agréable, notamment avec l’exposition où l’on a plaisir à se retrouver entre anciens bénévoles, spectateurs, administrateurs...pour évoquer nos meilleurs moments du festival. Il y a eu certains soirs des conférences avec des personnalités qui comptent dans le jazz. On a pu entendre Jean-Paul Boutellier et Jean-Paul Ricard. Nicolas Benies qui n’a pas été reconduit pour ses conférences aurait pu figurer au programme pour une intervention dans ce lieu.

JazzFrançois Viaud 

Crest Jazz festival: Emile Parisien/Yaron Herman/ Prabhu Edouard/ Florent Nisse -- Floating

Photo: Jean-François Viaud

Le 7 août à l'espace Soubeyran du Crest Jazz festival 

Après le concert Blue Maqam de Renaud Garcia-Fons, la soirée se poursuit à l’Espace Soubeyran avec un souffle tout aussi oriental. C’est à présent le quartet d’Emile Parisien avec le projet Floating. Cette fois-ci le souffle se fait brise, le flottement évoqué plane dans l’atmosphère comme une fragrance exotique.

Le saxophoniste semble produire comme des lamentations de son soprano. Tandis que Yaron Herman au piano suit la mélodie avec un touché délicat dans les aigus. Le pianiste n’a pas un jeu percussif, sa finesse lui permet d’être plus près de la mélodie que du rythme. A la contrebasse Florent Nisse ajoute sa mélodie à celle du piano pour qu’elles s’entremêlent. Son instrument généralement dans le registre de la section rythmique est là aussi dans celui de la mélodie et de la fluidité. Seul Prabhu Edouard avec ses percussions indiennes rythme les échanges de ce soir. Il est le seul à structurer rythmiquement ce flottement proposé par le projet de la formation.

Les quatre instrumentistes ont tous une place importante dans l’interprétation. Leurs sonorités s’articulent et s’entremêlent dans différentes configurations. Ils prennent tour à tour les introductions des morceaux pour en faire une longue improvisation et une mélodie qui s’apparente à un discours. Souvent ils sont suivis par un instrument qui reprend le thème pour développer un nouveau solo. Lorsque le pianiste, le contrebassiste et le percussionniste entremêlent leurs mélodies cela créé un tapis de notes sur lequel le saxophoniste peut s’envoler et flotter vers l’improvisation. Les quatre musiciens mettent de l’intensité dans leur musique. En faisant monter le tempo crescendo comme dans le boléro de Ravel sur l’un des titres.

Le répertoire de la soirée est varié. De nombreuses compositions d’Émile Parisien sont interprétées comme 66 et Bonbon. Les compositions de Yaron Herman sont nombreuses à être jouées également, comme Nusrat par exemple en rappel. Pour le dernier titre, c’est une composition hybride du saxophoniste et du pianiste qu’il ont prit l’habitude d’interpréter en mémoire de Michel Portal. L’hommage est émouvant. En reprise, c’est un titre d’Anouar Brahem, en harmonie avec le répertoire du groupe.

Nous n’avons pas l’impression qu’il y a un leader et ses partenaires dans ce projet. Mais plutôt un équilibre entre quatre personnalités et quatre sonorités. Les percussions indiennes de Prabhu Edouard et l’improvisation collective rappellent l’esprit du Mahavishnu Orchestra. Mais au-delà de cette coloration musicale les introductions orientales et les longs solos donnent une impression de moments suspendus. De ces moments qui nous amènent en apesanteur et le flottement de ce projet nous guide vers un état méditatif.

JazzFrançois Viaud 

Line Up :
Émile Parisien (saxophone soprano) / Yaron Herman (piano) / Florent Nisse (contrebasse) / Prabhu Edouard (percussions).

 Ici sans Florent Nisse avec Linda May Han Oh à la contrebasse

Crest Jazz festival: Renaud Garcia-Fons – Blue Maqam

Photo: Jean-Francois Viaud

Le 7 août à l'espace Soubeyran du Crest Jazz festival 

Un souffle de fraîcheur inattendu enveloppe l’Espace Soubeyran. Il nous procure une pause dans cette période de canicule et semble venir de la Méditerranée. L’archet du contrebassiste percute et rebondi sur les cordes, c’est le style bien particulier de Renaud Garcia-Fons. L’esprit de l’orient flotte sur l’Espace Soubeyran. Puis l’archet frotté sur les cordes donne à cet Orient un aspect mélancolique. La voix de Solea Garcia-Fons rejoint la contrebasse avec un chant en langue Grecque. Stephan Caracci au vibraphone et Jean-Luc Di Fraya aux percussions les accompagnent avec un rythme doux.

Le jeu du contrebassiste est toujours aussi varié. Les cordes sont frottées et percutées avec l’archet ou pincées en pizzicato. La contrebasse qui est habituellement un instrument à cordes frottées ou pincées devient aussi un instrument à percussion. Cette variété de jeu et de sonorités apporte beaucoup de sensations et d’émotions de voyage dans la musique. Comme à son habitude, le contrebassiste nous invite à un voyage dans les sonorités de la Méditerranée et du Moyen-Orient. Il ajoute à présent la voix dans son répertoire, et c’est sa fille qui nous conte la Méditerranée en plusieurs langues.

La jeune chanteuse interprète les chansons dans un tourbillon de langues méditerranéennes. Du grec à l’espagnol en passant par l’hébreu, l’arabe et le français. Dans chacune des langues, la voix est posée et claire, parfois sensuelle et souvent spirituelle. La chanson en hébreux et la chanson en arabe sont enchaînées à la suite l’une de l’autre sans coupure ; comme pour ne pas oublier le lien de proximité que ne devrait pas éloigner les deux peuples. Le thème est celui de la paix. Sur la dernière chanson avant le rappel, qui est chantée en français et qui évoque l’amour, est interprétée comme un poème.

Le percussionniste et le vibraphoniste apporte un accompagnement raffiné. Le percussionniste utilise délicatement ses tambours qu’il frappe souvent avec les mailloches pour créer un son de basse. Ses baguettes dansent sur les cymbales dont les sons métalliques se superposent aux sons du vibraphone. Le mélange de ces sons aigus, dialoguent et se répondent. La finesse du jeu sur les lames du vibraphone fait penser à des gouttelettes d’eau qui perlent entre les arpèges des cordes de la contrebasse. Le percussionniste frappe aussi ses tambours à mains nues, ce qui donne une impression de rythme traditionnel. Cette impression d’air traditionnel est complétée lorsque le vibraphoniste joue du marimba.

Pour le rappel, Renaud et Solea Garcia-Fons interprètent un morceau en duo. Pour cette chanson émouvante, la fille chante à nouveau en espagnol et le père rythme le thème en frottant et frappant délicatement les cordes de son instrument. L’association originale des instruments est rare dans un groupe. Cela enrichit les sonorités variées et complexes. La palette des sons et des timbres permet de mélanger les styles musicaux pour notre plus grand plaisir. L’apport sensuel et spirituel de la voix augmente la musique de Renaud Garcia-Fons.

JazzFrançois Viaud 

Line Up :
Renaud Garcia-Fons (contrebasse)/ Solea Garcia-Fons (chant)/ Stephan Caracci (vibraphone) / Jean-Luc Di Fraya (percussions). 

 

ça donne ce joli clip   

Crest Jazz festival: Erik Truffaz & Antonio Lizana – New Sketches of Spain

Photo: Franck Benedetto

Le 6 août à l'espace Soubeyran du Crest Jazz festival

C’est le concert qu’il fallait voir à Crest cet été, c’est aussi un des concerts que les festivals devaient programmer cette année ! Voici une nouvelle commémoration du centenaire de la naissance de Miles Davis. En cette année 2026, les hommages sont nombreux. Nous avons vu la tournée We Want Miles organisée par Marcus Miller et ses coéquipiers de l’album éponyme. Voir ici. Ainsi que la célébration de la collaboration du trompettiste avec son conscrit John Coltrane, par Terence Blanchard et Ravi Coltrane. Voir ici . Cette fois c’est la rencontre entre le trompettiste suisse Erik Truffaz et le saxophoniste et chanteur espagnol Antonio Lizana qui font revivre un monument créé par le trompettiste américain et le pianiste, arrangeur, compositeur et chef d'orchestre Gil Evans.

Sketches of Spain est un album de Miles Davis qui a été enregistré en deux sessions ; en novembre 1959 ainsi qu'en mars 1960. Il est sorti en juillet 1960. C’est la quatrième collaboration avec Gil Evans pour les arrangements après Birth of the cool, Miles Ahead et Porgy and Bess. Vient ensuite leur dernière collaboration avec Quiet Nights. Pour ces « esquisses d’Espagne », l’arrangeur a aussi écrit certaines compositions en complément du Concierto d’Aranjuez de Joaquin Rodrigo et de la Chanson du feu follet extraite du ballet-pantomime L’Amour Sorcier de Manuel de Falla. Pour ses compositions il s’est inspiré d’une chanson traditionnelle de Galice (The Pan Piper-La flûte de pan), d’une mélodie flamenco (Solea) et d’un chant religieux entonné lors des processions de la Semaine Sainte (Saeta).

C’est Pau Figueres qui ouvre ces New Sketches of Spain à la guitare flamenco. Le trompettiste le rejoint sur scène avec la mélodie du Concierto d’Aranjuez. Le morceau traditionnel prend de l’amplitude avec la section rythmique composée de Arin Keshishi à la basse électrique, Manuel de la Torre à la batterie et Vincent Thomas aux percussions. La sonorité est veloutée lorsque Antonio Lizana au saxophone alto et Renaud Gabriel Pion à la clarinette basse, rejoignent le trompettiste sur le thème. Le classique de la musique espagnole devient fougueux et moderne quand la danseuse flamenco, Sara Sanchez entre en scène accompagnée par le chant flamenco d’Antonio Lizana. Tout au long de ses interventions la danseuse dessine « ses esquisses d’Espagne » avec ses pas de danse et ses formes de corps. Souvent habillée de rouge elle trace avec sa gestuelle, les feux follets mais aussi les flammes d’un brasier ardent. Avec son chant flamenco intense et sincère, Antonio Lizana, attise ce feu spirituel. Les timbres de la batterie et des percussions sont riches et variés, surtout lorsque la sonorité sèche des baguettes du batteurs se mêlent à la sonorité sourde des mailloches du percussionniste. Leur accompagnement soutient parfaitement le solo du saxophone alto. Le retour du thème à la guitare flamenco seule, boucle le thème avec la mélodie de cette pièce maîtresse.

Photo: Franck Benedetto

Avec ce premier titre nous sommes déjà projetés dans l’ambiance exubérante de l’Espagne. Nous pouvons associer à ces esquisses musicales, les esquisses picturales du Greco pour les scènes de la vie courante ou celles de Picasso pour les scènes de tauromachie. Les esquisses littéraires de Théophile Gauthier avec son Voyage en Espagne, nous viennent également à l’esprit. Avec ses mots il peint, la chaleur, la lumière et l’esthétique de ce pays comme un exotisme. Toutes ces images se retrouvent dans les introductions à la trompette ou à la guitare, dans les solos à la flûte traversière, au saxophone alto ou à la clarinette basse. Mais aussi dans les duos. Le son velouté et grave de la clarinette basse associé à la finesse des aigus de la flûte traversière soutiennent à merveille les thèmes espagnols interprétés par le trompettiste. L’esprit flamenco est sublimé par l’association de la trompette avec la guitare mais aussi par la complémentarité de la trompette et le chant. Le mariage des aigus de la trompette avec le son de basse de la clarinette donne beaucoup de profondeur aux thèmes interprétés.

Les rythmiciens sont très présents pour fournir cette ossature rythmique qui soutient cet édifice musical où se mêlent différents styles. Les timbres de la batterie augmentés de ceux des percussions multiplient les sonorités de tambours et de cymbales. Ils donnent une couleur latine aux sonorités. Ils vont aussi permettre au bassiste d’interpréter un solo délicat et envoûtant. Lorsque qu’elle n’est pas flamenca la guitare entre dans les rangs de la section rythmique pour augmenter le rythme de ses six cordes.

La fusion entre les styles est complète ce soir. Les instruments passent par l’Espagne traditionnelle avec son flamenco incontournable imprégné d’Orient. Surtout avec la guitare, la trompette et les percussions, sans oublier le chant et la danse. Le passage par le jazz est aussi exécuté par le trompettiste lorsqu’il change de registre mais aussi avec les solos du saxophoniste alto. Nous touchons à la structure de la musique classiques avec les arrangements du clarinettiste basse, surtout lorsque qu’il revient sur le thème musical accompagné des deux autres soufflants ; la trompette et le saxophone alto ou la flûte traversière.

Ce mélange des styles est souvent présent. Pour Solea, la danseuse flamenco danse sur un solo jazz de saxophone alto. Les trois cuivres et bois interprètent le thème de manière jazz avec un trait de flamenco souligné par la guitare. Sur l’interprétation de Saeta, l’esprit de la procession est exprimé par le jeu de la trompette et un chant d’inspiration orientale. Les tambours de la batterie et des percussions martèlent le rythme de la marche. La reprise du thème par la rondeur de la clarinette basse apporte une touche classique.

Ce concert hommage, retranscrit bien la fusion du jazz, du classique et de la musique traditionnelle espagnole comme l’avaient déjà réinterprété et arrangé Miles Davis et Gil Evans. Mais il va au-delà, avec une extension du thème de la tradition espagnole comprenant le chant et la danse flamenco. Erik Truffaz et Antonio Lizana, les deux sorciers de la musique, ainsi que leur magnifique formation ont convoqué la spiritualité du jazz et du flamenco et c’est la fusion du feeling et du duende qu’ils ont parfaitement réussi.

JazzFrançois Viaud 

Line-up :
Erik Truffaz (trompette)/ Antonio Lizana (chant, saxophone alto, flûte) / Renaud Gabriel Pion (clarinette basse, cor anglais, arrangements) / Sara Sanchez (danse flamenco)/ Pau Figueres (guitare flamenco), Arin Keshishi (basse électrique) / Manuel de la Torre (batterie) / Vincent Thomas (percussions).

 

Crest Jazz festival: Mélina Tobiana Quintet

Photo: Jean-François Viaud

 Le 6 août à l'espace Soubeyran du Crest Jazz festival

C’est un jazz vocal festif que nous propose Mélina Tobiana en Quintet. On a l’impression de retrouver le festival Crest Jazz Vocal des années 90’ et 2000. Celui qui accueillait sur la scène de Soubeyran les grandes chanteuses de jazz ; Nina Simone, Dianne Reeves, Diana Krall, Patricia Barber…et tant d’autres.

La chanteuse s’appuie sur un triptyque solide pour la rythmique. Avec Edouard Monnin au piano, Thomas Posner à la contrebasse et Clément Brajtman à la batterie et au chant. Le pianiste propose tout aussi bien des envolées lyriques pour prendre des solos que des accompagnements délicats et épurés pour soutenir la voix de la chanteuse. Le contrebassiste renforce le rythme avec jeu délicat et prend des solos mélodiques dans les arpèges. Le batteur accompagne le rythme de manière énergique et s’adapte aux balades avec un jeu délicat avec les mains directement sur les peaux de ses tambours. Gustave Reichert à la guitare et au chant, vient avec son instrument prolonger la voix de la chanteuse avec des riffs jazz, rock et funky. Ce qui donne une ouverture moderne aux chansons de cette soirée.

Le répertoire est varié avec des compositions personnelles mais aussi de nombreuses reprises. Parmi les compositions originales nous retrouvons I Was Born a Woman qui est interprétée à trois voix avec le batteur, le guitariste et la chanteuse. L’interprète est aussi une jeune maman qui a écrit une chanson émouvante en français pour sa fille, La chanson d’Anouk. L’enfant écoute pour la première fois sa mère lui interpréter cette dédicace en live. Pour les reprises, il y a I Can See Clearly Now de Jimmy Cliff, Don’t Cry for Louie de Vaya Con Dios et Maraba Blue d’Abdullah Ibrahim, instrumental sur lequel la chanteuse a ajouté des paroles. Un blues est interprété en rappel.

Cette première partie est enthousiaste et joyeuse, à l’image de la voix de la chanteuse qui est enjouée et dont la prononciation de l’anglais est agréable et maitrisée. Le public accueille avec engouement ce concert dont les fondamentaux du jazz classique sont présent. On retrouve les influences du gospel et du folk dans certains morceaux. Sans oublier une ouverture vers le rock, la pop et la chanson qui apportent de la fraîcheur à ce concert.

JazzFrançois Viaud 

Line Up :
Mélina Tobiana (chant) / Gustave Reichert (chant, guitare) / Edouard Monnin (piano) / Thomas Posner (contrebasse) / Clément Brajtman (chant, batterie).